La IA en el arte

 La Inteligencia Artificial (IA) es impresionante e importante para el desarrollo tecnológico, pero...

¿De verdad podemos considerar arte algo que hizo una computadora?

¿Debemos haceptar a la IA dentro del mundo del arte?

En los últimos meses, con los avances masivos que a tenido la Inteligencia Artificial (IA), se a armado un debate dentro de la comunidad del arte, pero no solo la del dibujo o arte digital, sino que se expandió a TODAS, las partes del arte.

• El dibujo tradicional
• La pintura
• El arte digital 
• La escultura 
• El Crafter (Es el arte de las manualidades ✨)
• La fotografía 
• El vídeo 
• La escritura 

En fin, creo que ya entendieron el punto, la IA aún que al principio fue creada como una herramienta la verdad es que a las personas se les a echo muy fácil usarla para remplazar el trabajo de un artista, ya siendo haciendo un vídeo, un modelo 3D, editar una fotografía, improvisar historias, crear imágenes, etc. Lo que termino disgustando a la comunidad artística, ya que dijeron que los supuestos "Artistas IA" (que así fue como se auto bautizaron ese tipo de personas) en realidad no hacían arte, solo le pedían a una computadora que hiciera todo el trabajo por ellos, haciendo perder a artistas de verdad mucho dinero.

A continuación, le mostraré algunos puntos de una investigación y análisis que hice para saber cómo la IA, puede estar a Fernando o por qué los artistas están molestos por lo que hacen con esta herramienta:

1. Dibujo Tradicional y Pintura

La IA puede generar imágenes y pinturas que imitan estilos tradicionales, lo que podría llevar a una devaluación del trabajo de los artistas humanos. Si las herramientas de IA pueden producir obras similares en segundos, los artistas pueden encontrar más difícil vender sus piezas, ya que la originalidad podría verse comprometida. Además, esto podría disminuir la apreciación por técnicas y habilidades manuales que requieren años de práctica.

(Cómo el caso del estudio Gibli y Chat GPT)

2. Arte Digital

En el ámbito del arte digital, el uso de IA puede resultar en una saturación del mercado. Con tantos artistas utilizando herramientas similares para generar obras rápidamente, se corre el riesgo de que las piezas se parezcan entre sí, lo que dificulta la identificación de voces únicas. Esto también puede desalentar a los nuevos artistas que sienten que su trabajo no destacará entre la multitud.

3. Escultura

La escultura tradicional implica un profundo conocimiento de materiales y técnicas. La IA puede diseñar esculturas complejas que un artista humano podría no haber considerado, pero esto puede llevar a la pérdida del valor del trabajo artesanal y a una desconexión entre el artista y su obra. La creación automatizada podría restar importancia al proceso creativo personal y emocional.

4. El Crafter

Los crafters suelen trabajar con materiales físicos y técnicas manuales para crear piezas únicas. La IA puede ofrecer patrones o diseños generados automáticamente, lo que podría hacer que los productos hechos a mano pierdan su singularidad y autenticidad. Además, esto puede afectar negativamente a las comunidades locales que dependen de la venta de artesanías.

5. La Fotografía

La fotografía también ha sido impactada por la IA, especialmente con herramientas que mejoran imágenes o crean composiciones automáticamente. Esto puede resultar en una disminución del valor artístico de la fotografía, ya que se pueden producir imágenes visualmente impresionantes sin el mismo nivel de habilidad o intención detrás de ellas.

6. El Vídeo

En el mundo del vídeo, la IA puede generar contenido visual impresionante o incluso editar vídeos automáticamente. Sin embargo, esto puede llevar a una sobreabundancia de contenido que carece de narrativas significativas o emociones genuinas, diluyendo así la calidad del arte audiovisual y afectando a creadores independientes.

7. La Escritura

La escritura asistida por IA ha revolucionado la creación de contenido, pero también plantea preocupaciones sobre la originalidad y la voz única del autor. Si las máquinas pueden generar historias o poesía con facilidad, los escritores pueden sentirse desalentados al ver su trabajo menospreciado o eclipsado por creaciones automatizadas.

En Conclusión

El uso de la IA en el arte presenta oportunidades emocionantes pero también desafíos significativos para las comunidades artísticas. La clave está en encontrar un equilibrio donde la tecnología complemente y no sustituya el talento humano, permitiendo así que las comunidades artísticas florezcan sin perder su esencia ni su valor intrínseco.

También, espero que esté pequeño análisis de este tema de controversia les sea de ayuda para ver de qué lado están o cuál sería su opinión de este tema, pero bueno eso es todo por hoy.

Bye :3.

La teoría del color en el arte digital

 ¿Sabes cómo funciona la teoría del color en el dibujo digital, o conoces de gamas de color, las sombras y la luz?

Aún que no lo creas, la teoría del color cambia un poquito en el dibujo tradicional y el dibujo digital, este blog será un poco más largo de lo habitual pero porque de verdad es MUCHO que explicar pero intenté hacerlo lo mejor posible así que primero...

La diferencia en los modelos de color entre el dibujo tradicional y el digital aquí te explico un poco más sobre ello:

1. Modelos de Color:

•    - Dibujo Tradicional: En el arte tradicional, especialmente en la pintura, los colores primarios son amarillo, rojo y azul (modelo RYB). Este modelo se basa en la mezcla de pigmentos. Cuando mezclas estos colores, obtienes otros colores secundarios (como el verde, naranja y violeta) y otros tonos a partir de ellos. También existe el modelo CMY (cian, magenta y amarillo), que se utiliza en impresión. En este modelo, al mezclar los colores se obtiene una amplia gama de colores, pero se basa en la absorción de luz.

2. Dibujo Digital: En el mundo digital, se utiliza el modelo RGB (rojo, verde y azul). Este modelo se basa en la luz. Cada píxel en una pantalla emite luz a través de combinaciones de estos tres colores primarios:

•    - Rojo (R): Representa la luz roja.
•    - Verde (G): Representa la luz verde.
•    - Azul (B): Representa la luz azul Cuando mezclas estos colores de luz, obtienes otros colores. Por ejemplo:
•    - Rojo + Verde = Amarillo
•    - Verde + Azul = Cian
•    - Rojo + Azul = Magenta
•    - Todos juntos (Rojo + Verde + Azul) crean blanco.

3. Diferencias en la Mezcla:

•    - En el modelo tradicional, al mezclar colores puedes oscurecerlos y crear tonos más oscuros o diferentes matices al añadir negro o blanco.
•    - En el modelo digital, al mezclar colores añades luz y puedes crear colores más brillantes. Al bajar la intensidad de los componentes RGB, obtienes tonos más oscuros.

4. Aplicaciones Prácticas: 

•    - Al crear arte digital, es importante entender cómo estos modelos afectan tu elección de color. Por ejemplo, si estás trabajando en un software de diseño o ilustración digital, tendrás que seleccionar tus colores en el espacio RGB para asegurarte de que se vean bien en pantalla.

Conocer estas diferencias te ayudará a aplicar mejor los principios del color en tus obras digitales y a comprender cómo se comportan los colores tanto en medios tradicionales como digitales.

Ahora pensemos a la otra parte de esta pregunta✨:

La teoría del color es fundamental en el dibujo digital, especialmente cuando se trata de representar sombras y luces. Aquí te explico cómo funciona:

1. Rueda de Color: La base de la teoría del color es la rueda de color, que muestra los colores primarios (rojo, azul, amarillo), secundarios (mezcla de primarios) y terciarios, aún qué aquí complementalo con lo que ya te explique (rojo, azul, verde). Comprender cómo se relacionan estos colores es clave para crear armonías y contrastes en tu obra.

2. Colores Adyacentes y Complementarios: Los colores adyacentes o análogos en la rueda cromática (colores que están uno al lado del otro) suelen combinar bien entre sí y son ideales para crear armonías. Por otro lado, los colores complementarios (opuestos en la rueda cromática) generan un alto contraste y pueden ser utilizados para resaltar elementos específicos o crear sombras

• (Rojo y verde)
• (Azul y naranja)
• (Amarillo y violeta)

3. Tonalidad y Saturación: La tonalidad se refiere al color en sí, mientras que la saturación indica cuán "puro" o "vivo" es el color. En el dibujo digital, puedes ajustar la saturación para crear sombras más sutiles o luces más brillantes.

4. Sombras: Las sombras se generan cuando un objeto bloquea la luz. Para crear sombras efectivas:

•    - Usa colores más oscuros o menos saturados del color base del objeto.
•    - Considera la fuente de luz: si es cálida (amarillo, naranja), las sombras pueden tener un tono más frío (azul, violeta) y viceversa.
•    - Aplica técnicas como el "color local" (el color natural del objeto) y luego agrega sombra con tonos más oscuros.

5. Luces: Las luces representan las áreas donde la luz incide directamente sobre un objeto.

•    - Usa colores más claros o brillantes que el color base.
•    - Agrega un poco de blanco o amarillo para simular reflejos y dar un efecto más cálido.

6. Reflejos y Ambientación: Considera los reflejos de otras superficies cercanas que pueden influir en los colores de las sombras y luces. Por ejemplo, una superficie roja puede reflejar algo de rojo en las sombras de un objeto cercano.

7. Capas y Opacidad: En el dibujo digital, puedes trabajar con capas para separar luces y sombras. Esto te permite ajustar la opacidad para lograr efectos más sutiles y refinados sin comprometer el color base.

8. Práctica Continua: La teoría del color puede parecer compleja al principio, pero practicar con diferentes combinaciones y observar cómo los artistas manejan las luces y sombras te ayudará a desarrollar tu propio estilo.

Entender cómo funciona la teoría del color te permitirá ejecutar obras digitales más efectivas y visualmente atractivas. 

Bueno, ahora sabes un poquito más de la teoría del color.

Bye =3.

¿Cómo comenzar el el dibujo digital?

 ¿Cómo puedo iniciar en el dibujo digital, siendo artista tradicional o artista novato?

Nunca te ha pasado o nunca te has preguntado:

•  ¿Cómo un artista digital se convirtió o empezó en el dibujo digital?

 O si tú eres artista tradicional y quieres empezar en el dibujo o arte digital de seguro te has preguntado 

• ¿Cómo puedo empezar si solo se dibujó tradicional?

Pues no te preocupes, yo te ayudo con esas preguntas 😉

Algunos de los puntos más importantes que debes de tener en cuenta en estos temas son:

1. Elige el Equipo Adecuado: Lo primero es decidir qué tipo de hardware usar. Puedes optar por una tableta gráfica (como Wacom o Huion) que se conecta a tu computadora, o una tableta con pantalla (como iPad Pro con Procreate o Microsoft Surface) que permite dibujar directamente en la pantalla.

2. Software de Dibujo: Investiga y selecciona un software de dibujo que se adapte a tus necesidades. Algunas opciones populares son Adobe Photoshop, Corel Painter, Clip Studio Paint y Procreate. Muchos ofrecen versiones de prueba para que puedas experimentar antes de comprar.

3. Familiarízate con las Herramientas: Dedica tiempo a explorar las herramientas y funciones del software elegido. Aprende sobre capas, pinceles, y herramientas de selección, ya que son fundamentales para el dibujo digital.

4. Bocetos Digitales: Comienza haciendo bocetos digitales. Puedes escanear tus dibujos tradicionales y usarlos como base o simplemente empezar desde cero en el medio digital. No te preocupes por la perfección, lo importante es acostumbrarte al nuevo entorno.

5. Practica y Experimenta: La práctica es clave. Experimenta con diferentes estilos y técnicas digitales. Prueba a crear texturas, usar diferentes pinceles y jugar con la paleta de colores.

6. Tutoriales y Recursos: Hay una gran cantidad de tutoriales en línea (en YouTube o plataformas como Skillshare) que pueden ser muy útiles para aprender nuevas técnicas y mejorar tus habilidades digitales.

7. Únete a Comunidades: Participar en comunidades de artistas digitales puede ser muy útil. Puedes unirte a foros o grupos en redes sociales donde puedas compartir tu trabajo, recibir críticas constructivas y aprender de otros artistas.

8. Sé Paciente (lo MÁS importante): La transición al dibujo digital puede ser desafiante al principio, pero con paciencia y práctica verás mejoras significativas en poco tiempo.

Recuerda que cada artista tiene su propio camino, así que no dudes en experimentar hasta encontrar lo que mejor funcione para ti, ya que recuerda, el dibujo o tu arte es algo que TÚ debes disfrutar no sufrir, valorarte.

Bye :3 .

El dibujo tradicional en el digital

 ¿Cómo influye el dibujo tradicional en el digital?

Aún que no lo creas el dibujo tradicional influye mucho más de lo que crees en el dibujo digital, aún que puedas pensar que este es más fácil ya que se usan herramientas y de más en una tableta o tablet de dibujo déjame decirte que, estás en un gran error.

A continuación, te mostraré diferentes puntos de un análisis donde se explica cómo el dibujo tradicional, influye mucho en el dibujo digital:

1. Fundamentos Artísticos: El dibujo tradicional enseña los fundamentos de la composición, la perspectiva, la anatomía y el uso del color. Estos principios son esenciales y se trasladan al dibujo digital, donde los artistas aplican lo aprendido en medios digitales.

2. Técnicas y Estilos: Muchos artistas digitales comienzan su carrera en el medio tradicional. Las técnicas de sombreado, pinceladas y texturas que dominan con lápiz o pintura se pueden replicar en programas digitales, lo que enriquece su estilo personal.

3. Creatividad y Experimentación: El dibujo tradicional permite a los artistas experimentar con diferentes materiales y técnicas sin la presión de la tecnología. Esta exploración puede inspirar nuevas ideas y enfoques en el dibujo digital.

4. Herramientas Digitales Simuladas: Muchos programas de dibujo digital imitan herramientas tradicionales, como lápices, acuarelas y óleos. Esto permite a los artistas disfrutar de la familiaridad de sus técnicas tradicionales mientras exploran las ventajas del medio digital.

5. Proceso de Creación: En el ámbito digital, muchos artistas comienzan sus obras con bocetos a mano antes de pasarlos a un formato digital. Este proceso híbrido combina lo mejor de ambos mundos, aprovechando las ventajas del dibujo tradicional mientras se trabaja en un entorno digital.

6. Comunidad y Compartición: Las plataformas digitales permiten a los artistas compartir su trabajo tradicional y digital, creando una comunidad donde se pueden intercambiar ideas y técnicas entre ambos estilos.

En resumen, el dibujo tradicional no solo complementa sino que también enriquece el dibujo digital, proporcionando una base sólida sobre la cual construir habilidades y creatividad.

También, es MUY importante darle visibilidad a este tema, ya que algunos artistas tradicionales, no solo menosprecian el arte digital, sino que dicen que no vale lo mismo, cuando esto es completamente erróneo, ambas partes valen igual, pero bueno almenos por hoy aprendiste algo diferente y espero que te haya gustado.

Bye =3.